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記得大學的時候，許多想找鋼琴家教工作的同學，都會把履歷放在 XXX 家教網、OOO 人力銀行之類的平台上。很不幸地，這是他們可以做的最糟糕的選擇，讓我跟你說明為什麼：

• 🙄 沒人 care：家教網上面聚集了「只是想找個鋼琴老師」的人，而不是「非常 care 鋼琴，想把鋼琴彈好」的人。
• 📦 都一樣：你的資訊被塞進千篇一律的模板，和其他數百個老師排排站，就像超市貨架上的泡麵，每包看起來都一樣。
• 🛒 隨便挑：客戶無法、也沒有時間深入了解你，只好按地區搜尋、照價格和學歷排列，然後隨便挑一個。
• 📉 拼價格：最後，你唯一能做的只有削價競爭，然後接到爛客戶。

現在的社群媒體就像是家教網。花大把時間拍短片、修圖、寫文章，卻只把這些作品丟進 IG/FB/Threads 裡，基於同樣的邏輯，也是非常糟糕的選擇：

• 👀 沒人 care：社群媒體上聚集了「只是想看點什麼」的人，而不是「想要尋找好作品」的人。
• 📐 都一樣：你的作品需要配合平台規定的長寬比，與其他數百萬個人一起在無限捲動的時間軸上，競爭那三秒鐘的注意力。
• 📱 隨便看：每個人都在急著往下滑滑滑，沒人記得他們五分鐘前看過了什麼，更不 care 那些東西是誰做的。
• 💔 一場空：最後，你得到的只有幾顆數位愛心，以及幫 Meta 多賺了一些錢，什麼都沒留下來。

活在社群媒體泡泡中的人，很難看清這一點。但一旦跳出來了，這現象會明顯到令人震驚。

就算你目前還想待在社群媒體裡面也沒關係，我理解溫水煮青蛙的舒適感。但拜託聽 Wiwi 的話，除了把文章貼在你喜歡的社群媒體之外，現在開始也同時發在自己的網站上吧！等你哪天突然意識到自己被平台綁架了，到時候再來感謝我就好，不客氣！

我還能說什麼呢？音樂會真的太精彩、太厲害、太用心啦！我無法想像辦這樣音樂會要投入多少時間、金錢和精力，真的大大的 respect！

有來這一場真的太好了！謝謝 SLS 和桌球的邀請，而且還留這麼好的位子給我們，真的太受寵若驚了。

話說，我到了 Zepp New Taipei 樓下時，還以為我是第一次來，完全忘記 2023 年的眼球春晚就是在這裡辦的啊！

S 大的鋼琴功力已經不用我再多說了（去年已經寫過一次），今天所有上台演出的其他音樂家也都超強，然後 Zepp 的場地聲音效果真的好好喔，聽得真的很享受！

總之，恭喜 SLS 演出成功！SLSMusic 十週年快樂，看你這樣從零經營起來真的很感動！還沒聽過 S 大彈鋼琴的人（這個 blog 上應該沒有了），快點按這裡。

這次去澳洲，我們在墨爾本聽了古典音樂會、看了音樂劇，還去了爵士俱樂部，來分享一下心得。

古典音樂會​

第一站是 Hamer Hall；這座在 1982 年開幕的音樂廳，舊名是「墨爾本音樂廳」（Melbourne Concert Hall），也是墨爾本交響樂團的總部。

（Hamer Hall 的門口）

入場前，門口外的等候區有吧台賣飲料，大家都在喝酒聊天，超像雞尾酒派對。而且音樂廳「裡面」居然也可以吃東西！有人在喝紅酒、有人啃香蕉，甚至還有人在吃冰棒。

更讓我大開眼界的是，這裡居然可以帶狗進場，狗就直接趴上主人身上聽音樂會！根本就像是戶外音樂節的感覺。（還是因為這隻狗是特殊狗，所以才可以帶？）

（看到灰色狗狗了嗎？這隻狗整場音樂會都沒有叫，比人還安靜。）

我們聽的這場是由 ABC¹ 主辦、墨爾本交響樂團演出的「Classic 100」經典百大倒數音樂會。2025 年的主題是鋼琴，ABC 讓觀眾票選最愛的鋼琴音樂，然後在這場音樂會演出票數最高的幾首鋼琴作品。

有一男一女兩個主持人，談吐風格輕鬆，氣氛像是跨年晚會一樣，跟台灣那種連清喉嚨都要很壓抑的嚴肅氣氛超不一樣。節目流程也很順暢，換場的時候還會播放下一段演出者的訪談影片，就很像是電視節目的節奏。

曲目的話有蓋希文的《藍色狂想曲》、德布西的《月光》、貝多芬的《月光奏鳴曲》第一樂章、拉赫曼尼諾夫的《第二號鋼琴協奏曲》等等，甚至還有久石讓的《One Summer's Day》。讓我意外的是，票選第一名的曲目居然是貝多芬的《第五號鋼琴協奏曲「皇帝」》？澳洲人的喜好真的很古典耶！

舞台的燈光效果很棒，但也不會太浮誇；彈《月光奏鳴曲》時他們真的在背景投影了一顆大大的月亮，以及緩慢移動的深藍色燈光。

音樂劇​

接下來轉戰墨爾本公主劇院（Princess Theatre）來體驗音樂劇。

（墨爾本公主劇院門口）

這座建於 1854 年、擁有超過 170 年悠久歷史的劇院，設計很特別，整個場地挑高很高但不深，我們是坐在最上層的位置，視野很好！

（最上層看台的視野）

我們看的是《萬世巨星》（Jesus Christ Superstar），音樂是由《歌劇魅影》的作曲家 Andrew Lloyd Webber 寫作。劇情是在講耶穌在世上最後七天發生的事，以十二門徒中的猶大視角出發。

但它整齣劇都是用唱的，完全沒有對白，我大概只聽得懂 10% 左右的內容，角色很多，加上我又不是基督徒，所以完全搞不懂在演什麼（事後查一些資料才比較搞懂劇情）。所以我就是純粹當作演唱會來聽，但光是享受音樂演出就很值回票價了，演出水準真的非常高，每一個演員都是超級厲害的歌手！

爵士俱樂部​

最後一站是位於墨爾本的市內郊區 Brunswick 的爵士俱樂部 The JazzLab，據說是墨爾本著名的爵士樂俱樂部之一。

它晚上七點才開門現場售票，七點半開始表演。我們六點半左右到達現場時，附近街道上超級冷清、一片漆黑，大部分的店都關門了，路上一個人都沒有。讓我們開始懷疑：這地方等下真的有表演嗎？該不會我們是唯一的觀眾吧？

（超冷清的門口）

結果七點一到真的有開門，我們買了一個人 30 AUD 的票進去。裡面的裝潢很舒服、燈光昏暗、就是標準的爵士俱樂部感，有一個吧台主要是供應飲料，食物選擇不多。

（舞台）

當晚表演的是 Andrea Keller（鋼琴）、Stephen Magnusson（吉他）和 Joe Talia（鼓組）的三重奏。（你看！三個人都有自己的官網！Wiwi 是不是就跟你們說要架官網，不然當別人寫部落格推薦你時要連到哪裡去？）

他們整場演出的都是原創曲目，上半場是鋼琴家 Keller 的曲子，下半場是吉他手 Magnusson 的作品。Keller 的創作比較親民、容易聽一些；而 Magnusson 的作品非常抽象、實驗性，運用了許多吉他的特殊擬聲演奏技巧，聽起來氣氛比較悶一點。鼓手 Talia 的技術也超強！

總之是一個水準很高的演出，場地的音效也很棒！

現場表演的魔力​

這次墨爾本的表演藝術之旅讓我覺得非常值得，畢竟現場表演都是「只會發生一次，錯過這輩子就不會有完全相同體驗」的珍貴時刻。雖然在台灣也有音樂會、音樂劇和爵士俱樂部，但是在澳洲的體驗還是滿不同的。

如果你也計畫出國玩，不論是去哪個國家，真的很推薦排一些這樣的行程，不過想帶狗的話記得先確認場地規定。

Footnotes​

1. Australian Broadcasting Corporation，澳洲廣播公司，類似台灣的公視或英國的 BBC。 ↩

美國知名廣播人、製作人、作家 Ira Glass 說過一段很有名的關於「品味」的話¹：

"All of us who do creative work, we get into it because we have good taste. But there is this gap. For the first couple years you make stuff, it’s just not that good. It’s trying to be good, it has potential, but it’s not. But your taste, the thing that got you into the game, is still killer. And your taste is why your work disappoints you. A lot of people never get past this phase, they quit... It is only by going through a volume of work that you will close that gap, and your work will be as good as your ambitions."

（我們這些做創作的人，會入行都是因為我們有好品味。但中間有個落差。剛開始的幾年，你做出來的東西就是不夠好。你很努力想做好，也有潛力，但就是不夠好。可是你的品味──當初讓你踏進這一行的品味──依然很棒。而正是因為你的品味好，所以你才會對自己的作品失望。很多人永遠卡在這個階段，然後就放棄了⋯⋯只有透過大量的練習，你才能縮短這個落差，讓你的作品變得跟你的理想一樣好。）

不管是彈鋼琴、寫文章、做菜或是任何領域，要能夠做出好東西，一定都需要具備兩個條件：「品味」跟「技術」。

• 品味：知道怎麼樣叫做「好」，也就是辨認的能力。
• 技術：知道怎麼樣實際上把東西做出來，也就是執行的能力。

這兩個東西是完全獨立的，你可能有其中一個但完全缺乏另一個。

彈鋼琴的品味​

以彈鋼琴這件事來舉例的話：

有名的樂評家可能有很好的品味，他可以告訴你哪張專輯的演奏、詮釋或錄音是很好的，以及它們好在哪裡。但是要他自己坐到鋼琴前，可能連小奏鳴曲都沒辦法彈好。

而一個程度普通的鋼琴老師，也許可以把很多曲子的音符彈出來，但是彈出來的東西都不好聽，或是質感不好。

兩種類別​

要做出真正厲害的東西，品味跟技術缺一不可。根據這兩者的強弱，所有人都必須是以下兩種類別之一：

• 品味＞技術：如果你一直對自己做出來的東西不滿意，恭喜你，你的品味比技術高。你心裡知道好的東西應該要「那樣」，但你看得出來自己目前的作品還不到「那樣」。這有點痛苦，但是是好事，因為已經有目標了，知道可以往哪裡努力。
• 技術≧品味：如果技術等於或大於品味的話，表示現在你已經可以做出自己心目中覺得好的東西了。每次完成作品時你會很滿意、很有成就感。但這比較危險，因為這樣就不會想要進步（反正已經夠好了嘛），除非能夠先提升品味，不然作品就會一直停在這個水準。

好品味很稀缺​

品味的價值遠遠高於技術，因為品味會限制技術的發揮──就算技術再好，也無法做出比品味更高的東西。

大部分的書、課程、教學影片都是專注在技術；技術是相對容易取得的，只要花時間練就好。品味的話，就需要長期控制進入自己腦中的東西，讓自己經常暴露在好東西之下。如果每天看到聽到的都是垃圾，品味當然進步不起來。

教學其實是「傳教」​

在鋼琴教學上，品味比技術難教太多了。

我發現，那些比較不會進步的學生，根本問題都出在於品味的不足。也就是他們「不覺得自己這樣彈不好聽」，或者是「無法分辨、或不在意自己這樣彈是不是對的」。

許多鋼琴老師可能都有這樣的經驗：跟一個學生說「你彈的這個音是錯的」，但是過了好幾個禮拜他還是改不掉。這不是因為把那個音彈對真的很困難，而是因為學生「不覺得把那個音彈錯很難聽」。

所以我教學的時候其實有點像是在「傳教」。學生彈不好的時候，我的首要工作並不是告訴他「這邊應該這樣彈、那邊踏板這樣踩」等等的，而是要說服他，讓他自己感受到這樣彈真的不好聽，然後拿好的範例讓他比較。只要學生自己也受不了自己彈出的聲音，他自然就會想辦法修正了。

先有品味，才有追求技術的動力​

跟日常生活上的事情一樣。例如說，檸檬卷再怎麼嘮叨叫我去清貓砂都是沒有用的，但只要我自己路過覺得貓砂很臭，我就會馬上去清了。

或者，我在 blog 上面一直推薦用 Linux 和自由軟體以及逃離 Google，對有些人來說也是沒有用的，因為他們還沒有這個品味（或者該說體悟）。但一旦他們有一天真正感受到被專有軟體限制和壓榨，他們就會想起 Wiwi 說的話，然後採取行動了。

不過話說回來，這篇關於品味的文章，本身可能也是一個「品味＞技術」的示範；我知道一篇好的文章應該要是怎樣，但自己實際寫出來就⋯⋯反正我前面說了這是好事嘛！

Footnotes​

1. https://www.goodreads.com/quotes/309485-nobody-tells-this-to-people-who-are-beginners-i-wish ↩

我的音樂教學生涯已經超過 20 年了，如果說我有什麼特殊技能的話，大概就是能很快看出一個學生以後會不會變得很厲害。基本上只要上過一兩堂課，聊個天之後，就可以有很準確的判斷了。

厲害的學生都有一些共同的特質：

• 有好奇心：真心想要學東西，願意花時間弄懂複雜的事情。
• 謙虛：越厲害的學生，越覺得自己不厲害。
• 很能修正錯誤：一旦被指出問題很快就能調整解決。
• 更重要的是個性正向、快樂：就算碰到困難也還是可以從容面對。

每當我發現這樣的學生，我都會跟他們說：「你以後有名了要記得提拔我！」通常學生都會一臉問號，想說到底是要怎麼提拔我，但我就還是很愛繼續這樣講。

為什麼今天寫這篇？是因為我的老學生品珍（個人網站）傳來了一個好消息！她以《優雅的相遇》這個作品入圍了 2025 台北電影獎的最佳配樂！

認識品珍的時候她才國中！當時她的鋼琴程度並不算超級突出，但她擁有全部前面提到的「厲害的學生」特質，所以我一開始就知道她一定會變很強。

品珍準備考大學的時候，剛好是我人生中比較奇妙的 2017 年。那時候一邊上課還要一邊提防前妻突然衝進來大鬧的場面，現在回想起來還是覺得好刺激呀！總之，在這種戲劇化的環境下，品珍後來還是順利考上了北藝大。

然後才一轉眼間，現在品珍已經是獨當一面的電影配樂家了！如果你有專案想要厲害的配樂，我真心推薦你到 https://pinchensound.com/ 找她。

其實我還有很多厲害的學生，之後有機會再來分享其他的故事。

（如果品珍妳看到這篇的話，現在正是提拔我的時候了！妳可以在接受國際媒體訪問的時候，分享你老師是如何一邊打離婚官司一邊幫妳準備大學考試的勵志故事，很有話題性對吧？順便幫我廣告一下好和弦 NiceChord.com！謝啦！）

「Sprezzatura」是一個源自義大利文藝復興時期的詞彙，指的是讓困難的事物看起來輕鬆自然的藝術，或在執行複雜任務時保持一種不經意的態度。

記得小時候那個班上功課最好的學霸嗎？她在段考前總會說：「怎麼辦？我都沒唸！」然後全部都考滿分。她搞不好其實每天都熬夜苦讀，但刻意隱藏背後的努力，讓一切看起來超級不經意，輕而易舉。這就是 Sprezzatura。

在市區騎機車，其實很少會加速到超過 50-60 km/h；就算是騎 50 cc 的機車，油門催到底也可以達到這個速度，但引擎的聲音會像是在慘叫，一點都不輕鬆。但如果是換成 125 或 150 cc 的機車，輕輕鬆鬆就可以達到這個速度了，而且覺得還很有餘裕。這就是 Sprezzatura。

身為鋼琴老師，我發現許多鋼琴學生的彈奏常常都缺了 Sprezzatura。事實上，他們反而會做相反的事：明明彈得很不錯，但彈給觀眾（也就是我）聽的時候，卻會刻意表現得很努力的樣子，例如過於快速地移動肢體，或是把臉湊近樂譜，彷彿在宣告「看我多麼認真啊」，這樣反而減低了表演的說服力和輕鬆感。

想想看，我們看各種作品時，是不是也喜歡享受 Sprezzatura？

NBA 場上有許多人能準確地投進三分球，但沒人能像 Stephen Curry 一樣「不費吹灰之力」地投進三分球。在 TNT 的轉播上，當 Curry 進球時，主持人們¹常常都說他「makes it look stephortless」²。

我第一次看到 Persona 5 遊戲的使用者介面時，也被它的 Sprezzatura 驚豔到。可以把這麼複雜的轉場動畫「毫不費力地」放進選單中，順暢自然到好像這根本沒什麼一樣。傳達出一種「只是選單而已就可以這麼華麗，表示開發人員的功力很有餘裕」的感覺。

好的作品讓人看到你的努力；偉大的作品讓人誤以為你根本不需要努力。

想知道我是怎麼寫出這篇文章的嗎？我只是起床打開電腦，在鍵盤前啪啦啪啦兩下就打出來了！超簡單的！Sprezzatura！

（順便業配一下，如果想要彈鋼琴時更有 Sprezzatura，我的課程《鋼琴技巧急診室》會教你不費吹灰之力地應付各種音型的技巧，讓你的琴聲從 50 cc 升級到重機等級！）

Footnotes​

1. Ernie Johnson、Shaquille O'Neal、Kenny Smith 和 Charles Barkley。 ↩

2. Stephortless = Stephen + Effortless. ↩

彈鋼琴時，看到一段音樂，要怎麼知道詮釋的重點在哪裡？我以前的鋼琴教授魏樂富老師，曾經教我一個很簡單但很有用的方法：

「想想看，這裡如果是技術╱品味差一點的人會怎麼寫？」

當你看到蕭邦作品中的一個片段時，先問自己：「如果是個一般的網友，他會怎麼寫這小節？」然後再看看蕭邦實際上寫了什麼。兩者之間的差異，就是演奏時應該要強調的地方。

厲害的作曲家常常會在關鍵處做出普通作曲家不會想到的選擇──可能是意想不到的旋律走向、突如其來的轉調，或是比預期早了一小節結束的段落。我們身為演奏者的任務，就是讓聽眾 get 到這些巧思，體驗到「哇靠這寫得太厲害了吧」的爽感！

這個想法也可以讓你更好地欣賞其他形式的作品。原本只是一眼掠過的細節，一旦開始問「如果是技術╱品味差一點的人會怎麼設計？」就可以看到許多原本不會注意到的事情：

• 看電影時：為什麼角色講話時，鏡頭在拍桌上的水杯？如果是技術╱品味差一點的導演會怎麼做？
• 玩遊戲時：為什麼選單文字選了這個字體和顏色？如果是技術╱品味差一點的設計師會怎麼做？

自己創作時，可以問反向的問題：「這看起來像是路人做的嗎？如果是技術╱品味比我更好的人會怎麼做？」這樣也許能發現更多可能性⋯⋯或者發現自己真的就是個路人。

收到來自馬來西亞的讀者 T 先生來信，他想問音樂老師每週的「健康工作時長」是多少：

想請教老師的分享，關於音樂老師每星期在什麼範圍內的工作時長是屬於健康的？

我個人覺得，首先若是以經濟生存需求為導向的，當然就是自己能接受多長的教課時間，那就是適合自己的時長。但也相信每週的教課時間一旦過長，總感覺教學質量、生活質量一定會降低許多，教學熱情也會更容易殆盡。

那若是以追求工作與生活平衡，還能保持學習或備課等的，以長期做打算的話，真想聽看老師的意見分享。

說真的，在問這道問題，我會想到每位老師所處的國家，老師自身的經歷或收費都不一樣。也不知道還有什麼是我沒想到的，希望老師能在部落格回覆。先謝謝官老師囉！

從爆肝到品質優先​

回想我鋼琴教學生涯的初期（大概 2014 年以前），多的話一天我是可以排 5-7 堂課的。當時我是覺得這樣已經很多了，但我的同業中一天能排到 10 堂以上的也是大有人在，看到他們這樣我只能甘拜下風，我的身心真的無法承受這種爆肝模式。

隨著時間推移，我的課逐漸越排越少。在我開始經營好和弦 YouTube 頻道後（2014 年底），大概一天最多已經不會排超過四個學生了。

而且我在排課上是比較龜毛的，我不喜歡把私人學生剛好間隔一個小時排，我都堅持間隔至少一個半小時。這表示如果我當天有四個學生，我的行事曆就被佔據至少六個小時的時間（1.5 x 4）。

幹嘛這麼「浪費時間」呢？因為我很不喜歡一個學生的課上到尾聲時，下一個學生就已經在門外徘徊的感覺；我也不想讓學生有一丁點的「老師好像一直在注意時間、是不是急著趕我走」的感覺。所以表定一小時的課，我很少很少真的一個小時就結束，我都會盡量把問題處理完再下課，超時也沒有關係；就是想讓學生覺得，我是真心來幫助你進步的，而不是只想趕快下班領錢。

現在的理想教學狀態​

對現在（2025）的我來說，理想的教學狀態應該是怎樣呢？

因為我的學生有許多是進階程度的，除了鋼琴學生之外還有音樂製作學生。每堂課都需要消耗不少腦力。教鋼琴學生時，我自己也要練習學生的曲目，這樣我才能在課堂上很好地示範；教音樂製作學生時，我會要他們提前傳作品給我，所以我可以在課前花一些時間研究，思考如何給出最有幫助的指引。

所以，現在我的「健康工作量」大概是這樣：

• 一天只有一堂課的話是最佳狀態。我可以像是接待許久不見的朋友一樣對待我的學生（不論實體課或是線上課），除了處理音樂的問題之外，還能有充足的情緒能量可以關心學生的生活近況。
• 一天兩堂課的話勉強 OK，基本上也還能維持很高的上課品質，但第二堂課結束後，我的聲帶通常就會開始抗議了。
• 如果有第三堂課⋯⋯？嗯，我會盡量避免這種情況。

三思而後排​

至於應該要上多少課，我覺得還是要看每個人的狀況啦。但如果課太多導致自己沒有生活、教學熱情耗盡或力不從心的話，其實學生也會感覺得到啊（我就能感覺得到我的健身教練當天的課是不是太多）！加上如果長期都只顧著上課，沒時間在專業上精進、閱讀或體驗生活的話，長久下來教學內容也會漸漸沒料的。

我是覺得職業生涯初期也許可以多排一點課，但隨著專業度提升（連帶價格提高）之後，應該要減少學生數量來提升品質，才是可以長久經營的聰明作法。

想想看，如果我現在還是每天教 5~7 堂課的話，怎麼會有時間寫這個部落格、跑步、思考人生、練琴、研究各種奇怪的科技、裝 Linux、更新網站，以及回覆這封 T 先生的信呢？可是正是因為做了這些教課以外的事情，才會讓我的教學內容更全面啊！

看了 Adam Neely 的 The Ethics of Fake Guitar 影片，這部影片在聊音樂界的「作弊」行為。

網路上的假演奏影片​

Adam Neely 提到社群媒體上有許多技巧超神、速度飛快的演奏影片，讓人懷疑這真的是人類能達到的境界嗎？但事實是，許多這樣的影片都含有「作弊」的成份：有些是剪很大、有些是預錄對著彈、更誇張的甚至是用電腦 MIDI 做好，然後假裝彈。

於是，有些人站出來揭發這些「作弊」行為，譴責這些音樂家是騙子；根本就沒那麼會彈還在那邊裝厲害，對真正努力練習的人太不公平了！

但有些「作弊」我們卻能接受​

但同時，在某些情況下，我們在道德上又可以接受「作弊」的演出：

• CD 專輯幾乎都是經過精心剪輯的，從來沒人抱怨過
• 音樂 MV 明顯都是對嘴，大家都覺得理所當然
• 電影中角色的歌聲常常不是演員本人唱的，我們也不會覺得被騙
• 甚至連馬友友、帕爾曼這樣大師級的演奏家，在歐巴馬就職典禮上的演出也是假拉的（對著自己的預錄的音樂），原因是戶外的氣溫太低，樂器的狀況不可能會好

所以到底哪些作弊可以，哪些不行？

道德標準​

這表示在不同情況中，我們對於「作弊」的定義不一樣。

例如，在重視「樂手間相互對話」的爵士音樂，即興演奏是神聖不可侵犯的核心價值；如果你提前把自己的獨奏寫好背下來（而不是當場即興創作），會被認為背叛了爵士精神。但在幾乎其他所有的音樂類型，把自己要演奏的東西事先準備好、練好，根本就是理所當然的，沒人會認為這是「作弊」。

每個圈子都有自己的道德標準，這些標準並不一定是基於客觀事實，而更多是建立在那個圈子重視的核心價值上。

「作弊」是絕佳的競爭優勢​

這讓我想到，「作弊」其實是一個非常好的競爭優勢，就像我以前在《爛招》這篇貼文寫的一樣。

在一個特定小圈子中被認為是「不 OK」的行為，在更廣大的世界裡有可能是完全被接受的。這表示，只要你不 care 這個小圈子的認同，你就能做這個圈子的人限制自己不做的事，進而取得競爭優勢！

就像前面提到的爵士樂例子：

• 對於爵士純粹主義者而言，你必須要現場即興，否則就是「作弊」。
• 但對於大部分聽眾來說呢？他們只是想聽到一段好聽的 solo，根本不會 care 這是當場即興的還是花了三個月慢慢寫作的。
• 如果不需要取得「即興純粹派」的認同，我們大可無視這個規則。為什麼不能花時間慢慢寫一段好聽的 solo 呢？為什麼一定要即興呢？

（但練習即興還是很有用的啦！歡迎來看看我的《即興幼幼班》課程！）

烏克蘭作曲家 Nikolai Kapustin 就是利用這個「規則漏洞」，成為了偉大的「爵士風格古典作曲家」。他的作品聽起來就像是爵士音樂，但裡面卻完全沒有即興片段，全部的音符都是精心安排的；這在爵士圈內完全就是「作弊」，甚至因為這樣許多人認為他的音樂根本不能被稱為「真正的爵士樂」。

但正因為沒有即興成份，Kapustin 的作品能被許多不擅長即興的古典音樂家演奏。那些精心寫作的「假即興」爵士 solo 段落，成為了他音樂的重要特色，讓他成為了二十世紀最重要的鋼琴作曲家之一。這一切都是從勇於「作弊」開始的！

至於網路上的那些超神演奏影片？把它們當作 IG 上的超完美正妹照片來看待就好：享受它們帶來的娛樂，但保持懷疑的態度，別被它們打擊到自信心。

還記得半年前那首令人煩躁洗腦到不行的「Apt.」嗎？就是那首讓你的 Instagram、YouTube、Tiktok 全都被轟炸、朋友聚會時大家都在哼、連買個咖啡都逃不過店家循環播放的魔音穿腦曲。你最近還有聽到它嗎？

我四個多月前在「APT」這篇貼文預言：這首爆紅歌曲很快就會被遺忘。結果呢？當然是準到不行。

根據 Google 關鍵字趨勢的數據，「Apt.」這個關鍵字的熱度在去年（2024）十月 18 號歌曲發行後的第一週達到最高峰。然後呢？熱度就像雲霄飛車一樣直直落下，到了上個禮拜只剩下最高峰時期的 4% 搜尋度。

我在之前的文章中用 Linux 系統上的 apt 軟體當作對比。這個跟歌曲同名卻完全無關的軟體管理工具，已經默默存在了 27 年，到現在仍然是世界上無數電腦賴以運作的重要工具。而且最近還剛推出了 3.0 版本，功能變得更強大了。

不過，「Apt.」在短短半年賺到的錢，可能遠比 apt 的開發者花了 27 年賺到的總和更多就是了。

這就是殘酷的現實呀！誰在乎一首歌有沒有長久的藝術價值呢？只要砸錢買下所有可能的廣告版位、和網紅合作產出大量的洗腦舞步短影片、壟斷各大串流平台的推薦頁面和播放清單、確保你不管走到哪裡都能聽到這首歌，這樣就能創造一種「如果你不知道這首歌，你就是社會邊緣人了」的集體焦慮。因為大家都在聽、你只好也跟著聽，不管歌曲本身好不好。

用力把一首歌的商業價值榨乾、賺飽飽之後，再操作下一首歌就好。舊歌曲被遺忘也沒關係的，或者應該說，這正是計畫的一部分。

學會炒作新聞、懂得操弄大眾的從眾心理，遠比在某個領域默默耕耘更能讓你提早退休。畢竟只要紅半年，就可以數 27 年的鈔票！這才是我們這個時代應該追求的成功道路啊！

（我突然驚覺，這篇貼文是不是也成為了「Apt.」歌曲行銷計畫的一部分？可惡，居然被暗算了！）