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一個（八成是杜撰的）莫札特故事：

有一天，一個年輕人去拜訪莫札特。年輕人說：「大師，你可不可以指點我怎麼寫交響曲？」

莫札特說：「現在還太早了，你應該從簡單一點的東西開始寫，例如小步舞曲之類的。」

年輕人：「可是，老師你八歲的時候就在寫交響曲了耶！」

莫札特：「對呀，可是我不用問別人要怎麼寫。」

如果你需要問，大概就表示還沒到該問的時候。

（想看看莫札特的第一號交響曲長怎樣嗎？IMSLP 上面有譜)。）

前幾天我在 IMSLP¹ 上建了自己的作曲家頁面（連結），這樣就多一個地方可以用到我的 2025 形象照了。

我把我的：

• 《台灣民謠組曲：草螟弄雞公 x 思想起》（IMSLP 頁面）
• 《當我們同在一起變奏曲》（IMSLP 頁面）
• 《中華民國國旗歌》（列在黃自的 IMSLP 頁面裡面）
• 《土耳其進行曲》（列在莫札特的 IMSLP 頁面中的改編曲裡面）

⋯⋯都改用 CC-BY 授權²釋出了。

有些作曲家的想法可能是：「我的作品很珍貴，要演出得付錢！不准偷用！」，但我反倒是覺得「作品寫了就是要被別人演」。如果想要增加作品的影響力，就應該盡可能讓它的傳遞不麻煩才好。

我會看看還有什麼舊作可以放上去，只要是我完全擁有版權的，我都會考慮全部用開放授權放出來。畢竟作品寫出來不被演出，就像是形象照拍了不用一樣浪費。

至於有些改編作品，因為還是有潛在的版權問題，沒辦法放到 IMSLP，那些我之後再整理到 NiceChord.com 上面好了。

如果你演出了我的作品，歡迎跟我分享錄音或影片，我之後也想把它們整理成一頁放在某處。

看到 Channing Allen 的這篇文章《The hidden training habits of 21 world-class performers》（21 位世界級高手的隱藏訓練習慣）。他提出了一個概念叫「練習表面積」（Practice Surface Area），就是你生活中有多少時間和空間中，能夠「練習」某件事。

我覺得他講的超有道理耶！回想我教過的那些進步比較緩慢的鋼琴學生，許多可能都是因為「練習表面積」太小了。

為什麼你朋友學鋼琴進步比較快​

想像一下：你跟朋友同時開始學鋼琴，你們找同一個老師上課，每天都練一小時。但為什麼三個月後，你朋友已經能流暢地彈奏許多曲子，但自己還是好像幾乎不會彈一樣？

面對這種情況，許多人只是用「他有天份，你沒有」來解釋。

但真相也許是，你朋友不是每天練一小時，而是十小時，只是連他自己都沒發現：

• 🚗 他開車的時候都在聽鋼琴音樂
• 🪑 上班開會時，手指在桌上做彈鋼琴的動作
• 🛗 等電梯時，雙手在空中練習困難的大跳音程
• 🚽 上廁所時也要帶手機進去研究樂譜
• 🛍️ 逛街的時候，不斷地想「這首背景音樂是什麼和弦進行？」
• 🛒 排隊結帳時，數著拍子在手推車上打節奏
• 🎹 下班之後，到音樂廳聽鋼琴獨奏會
• 🎬 看電影時注意力全在配樂上，根本沒注意劇情在演什麼
• 🛁 洗澡的時候哼著今天練的曲子
• 🤯 睡覺前躺在床上，還在想今天練習的段落應該換成什麼指法會更好

你只是在「練鋼琴」，但你的朋友已經「生活在音樂裡面」，這就是他進步更快的真正原因。

到處都是練習場​

Allen 在文章裡寫：

The people who reach the absolute pinnacle of their crafts share a stranger trait: they've dissolved the boundary between "practice" and "life" ... They're not working harder; they've just made it impossible to stop working.

（那些站上巔峰的人有個奇怪的共同點，他們消除了「練習」和「生活」之間的界線。他們不是更努力練，而是讓自己根本沒辦法停下來。）

文章中舉了幾個例子像是：

• NBA 傳奇 Kobe Bryant 會在等紅燈時、拍廣告空檔時，甚至在小孩的音樂會中場休息時研究比賽錄影。他的手機裡永遠下載好了比賽片段，準備在飛機上看、吃飯時看。
• 西洋棋世界冠軍 Magnus Carlsen 會在做有氧運動時、無聊的對話或會議中，在頭腦中自己跟自己下棋。他上 Joe Rogan 的 Podcast 時說：「我無時無刻不在想西洋棋。我坐在這邊的時候也在想，我還在頭腦裡分析今天下的那盤棋。」
• 名廚 Gordon Ramsay 在外面餐廳吃飯時，會在腦中重建每一道菜，逆向工程出技巧、時間掌控、調味比例等等。然後在腦中模擬要如何改進每個環節。

你不是沒天份，只是不夠癡迷​

也許那些「有天份」的人，並不是基因特別好，只是他們把練習塞進了生活的每一個縫隙。你以為你們練習時間一樣長，但實際上可能差了十倍以上。

當然，要能做到像他們這樣子，必須要真的很愛那件事情，達到癡迷的程度才行。不過話說回來，我現在打這篇文章的時候，腦中一直在想「等下要吃什麼」，看起來我對吃東西的練習表面積倒是滿大的。

最近試用了這個完全離線、自由授權的音樂生成模型 ACE-Step。

最讓我驚豔的是，ACE-Step 的模型超小耶，整個才 8 GB 左右而已！然後執行也很快，沒兩下就可以輸出一整首歌了（當然，我有兩張 NVIDIA RTX 4000，但官方說其實只要 8 GB 的 VRAM 就可以跑了），而且支援中文歌詞！

我用預設的搖滾音樂設定生成了以下這個：

歌詞：

主歌：我想要吃蛋餅！
副歌：Wiwi.Blog 想要吃蛋餅！

好吧，拍子是有點怪怪的、glitch glitch 的，好像樂手突然會抽筋一下的感覺。但是作為創意發想工具還不錯呀！或者是把生成結果丟到取樣機，擷取喜歡的部份再重組。

這個已經比之前可單機執行的音樂模型（像是 Stable Audio）好太多太多！現在終於有個品質還不錯，又能完全掌控在自己手上的工具了。不用擔心網路連線、不用付訂閱費、想生成多少就生成多少，所有成品都留在自己電腦裡，真舒服！

紀念一下我因為在 YouTube 上講「六四和弦」而吃了社群警告的光榮事蹟（2017 年），而且申訴還被駁回。 🤣

昨天檸檬卷發了一部講德布西鋼琴作品的影片（YouTube 連結、WiwiVideo 連結、官網），裡面提到了《前奏曲集》第一冊中的第八首《亞麻色頭髮的少女》（La Fille aux Cheveux de Lin）。

這首曲子在我小時候更常見的翻譯是《棕髮女郎》。當時年幼無知的我，還以為是在形容酒吧裡穿著皮衣短窄裙的時髦大姊姊。

（小時候的我：原來德布西喜歡這一型的呀？）

現在的翻譯《亞麻色頭髮的少女》的確比較正確，因為「lin」就是法文的亞麻（植物）的意思。這讓我想到，「亞麻色」到底是什麼顏色？

• 是亞麻花的淡藍／紫色？ (#9BB7D4)
• 還是亞麻果的淺咖啡色？ (#C8B299)
• 亞麻田一眼望去綠油油的顏色？ (#7CB342)
• 還是人類加工後的亞麻纖維的淡金色？ (#F5DEB3)

（淡藍色的亞麻花¹）

（淺咖啡色的亞麻果²）

（綠油油的亞麻田³）

（淡金色的亞麻纖維⁴）

如果到髮廊裡跟設計師說「我要染亞麻色」，會得到什麼顏色呢？

也許幫曲子下這樣的標題，也是印象派風格的一部分。想想看，如果德布西寫的是《黑髮少女》或是《金髮少女》，感覺就太明確了，沒質感；只有「亞麻色」這種「不太確定是什麼顏色的顏色」，才能給人足夠的想像空間。

總之，去看檸檬卷的影片（YouTube、WiwiVideo），在 LemonJanet.com 上也有文章版。

前陣子幫一個音樂製作學生看作品，那是一個現場活動要用的伴奏帶。學生的作品其實還不錯，但他在最後的 Stereo Out 上面只掛了一個效果器，那就是 Logic Pro X 的「Mastering Assistant」（母帶後製助理）。

我自己製作音樂時也會用像是 iZotope Ozone 這樣的自動後製工具，畢竟真的很方便。Ozone 自動歸自動，至少它會詳細告訴你每個步驟做了什麼，如果不喜歡它的決定也可以手動修改。但 Logic Pro X 的 Mastering Assistant 功能幾乎就像一個黑盒子，只有少少幾個選項可以調，你完全不知道它背後的魔法是什麼。

這讓我意識到，這不就是音樂版的「Vibe Coding」嗎？

Vibe Producing​

其實在 AI 出現之前，有許多音樂人早就在「Vibe Producing」了：不學樂器、不看五線譜、不懂樂理，反正就拿現成的音樂片段拼一拼、聽起來感覺對就好啦！誰在意取樣機和合成器怎麼用？買別人做好的音色庫就好啦！

我也不是說不能這樣做音樂，創意本來就沒有對錯。但過度依賴「一鍵搞定」的工具是有危險性的：我們可能會丟失所有有用的底層技能，然後逐漸被那些生產「自動化工具」的廠商綁架。

想像一下，你請了一個廚師幫你做菜，結果他說：「欸，可是你這裡沒有那台 3,000 美元的自動 AI 料理機，然後也沒有訂閱『醬料包』和『煎蛋火候控制系統』服務，我這樣沒有辦法做菜喔！」這聽起來像是個專業的廚師嗎？

原始音樂製作挑戰​

雖然現代工具真的很方便，但還是偶爾挑戰自己，用比較原始、拮据的方式做音樂吧！不是為了復古或反科技，只是要確保自己擁有這些基本功。以下是一些有趣的挑戰：

• 🎤 「一支麥克風」挑戰：只用一支麥克風製作一整首歌。
• 🔧 自製取樣庫：使用取樣機，但不准使用任何現成的音色庫。所有取樣都要自己錄製時，會發現家裡的每個廢物都是能用的樂器。（我做過這個挑戰，不只一次）
• 🎯 把音唱準、節奏彈準：不要使用音高校正和時間拉伸，這些都是近 30 年才有的技術。以前的音樂人沒有這些工具，照樣能做出經典作品。
• 👋 不要使用 MIDI：一切東西都要即時演奏錄下來，這個挑戰可能會讓自己驚覺到應該練樂器了。（MIDI 是 1981 年才有的技術）
• 🧪 從零開始的音色：不使用任何現成的合成器音色。你知道怎麼從基本波形開始製作一個音色嗎？（這裡有教學）
• 👂 手動母帶後製：不要使用自動 Mastering 工具（如 Ozone、Logic 的 Mastering Assistant），自己用耳朵聽參考專輯、交叉比對，手動調整每一個效果器。
• 🎛️ 傳統混音法：只使用傳統的 Compressor 和 EQ 來混音，而不是現代的「智慧」版本。

底層邏輯​

就算有現代工具能用，那些能掌握底層邏輯的人，還是會有巨大優勢的。

他們知道為什麼這個效果聽起來怪怪的，知道怎麼手動修復問題，知道什麼時候該打破規則。更重要的是，當工具失靈、訂閱服務掛掉、網路斷線時，他們依然能完成工作。

每次在按下那個閃閃發光的「一鍵搞定」按鈕前，先問問自己：我真的知道這個按鈕在背後做了什麼嗎？如果以後沒有這個按鈕了，我還能手動做出同樣的效果嗎？否則，下一個被「一鍵搞定」按鈕取代的，可能就是我們自己了！

前幾天打開 Paypal，看到一筆 US$12.99 的扣款，心想：「等等？這不是應該是 $7.99 嗎？」

原來 Splice.com 這個聲音素材庫服務在今年二月開始悄悄漲價了，而我這個原本每月付 $7.99 的老訂戶，它竟然直接無預警就直接變成扣 $12.99！（或者其實它有預警，只是我沒有讀到 E-mail）

Splice 其實還不錯​

但我這篇貼文不是要說 Splice 的壞話。反而，我覺得 Splice 是一個很不錯的服務：

• 平均來說，聲音品質滿好的
• 訂閱 US$12.99 的方案，每個月可以得到 100 個下載點數
• 每個點數可以下載一個聲音片段（不論是 0.3 秒的小鼓聲還是 5 分鐘的音樂片段，一律算一個點數）
• 下載的片段都有永久、無版稅的商業授權，唯一的限制是不能「單獨裸露使用」素材，必須跟其他元素做結合，所以需要花一點點的時間將它們重組一下
• 每月沒用完的點數，可以累積到下一個月（但退訂的話⋯⋯後面再說）

最大的缺點大概就是沒有 Linux 版的客戶端。不過下載的片段都是無 DRM 的 .wav 格式聲音檔案，可以很輕易地用在各種軟體當中，所以這不算太大的問題。

但我還是想退訂​

不過因為我用量太少，漲價後還是覺得該暫時說掰掰了。但麻煩的是：我累積了大概 2,500 個點數沒花完。

根據 Splice 的使用條款，取消訂閱 28 天後，所有沒用完的點數就會消失。（已經下載的 .wav 當然還是可以保有永久授權，但沒用完的點數就白白送給 Splice 了）

我覺得這招還滿賊的。要在短時間內把 2,500 個點數「好好花完」是很難的，因為你得決定要下載哪 2,500 個聲音；大部分人可能會覺得懶得把點數「好好花掉」，但又因為不想失去這些點數而續訂。

但我不是「大部分人」，這種招式是賊不到我的！我今天就是決心要把 2,500 個點數全部花掉！

瘋狂採購時間​

我花了一個多小時進行這場「點數清倉大作戰」。

一開始我下載了幾個音色包，通常一個音色包裡面就有 200-300 個檔案，可以快速花掉點數。但下載了幾個喜歡的之後，我還是剩下快要 1,000 點。

而最後的 1,000 點，我全部花在可能是 Splice 上面 C/P 值最高的東西──Songstarter。

Songstarter​

Songstarter 基本上就是「已經做好 90% 的音樂片段」，目的是給你靈感來「開始一首歌」。但如果你只是要當做 YouTube 影片配樂，拿一個 songstarter 加上簡單的鼓聲，幾乎就可以直接拿來用了。

從這個角度看，Splice 可能是史上最划算的 YouTube 影片配樂來源。訂閱一個月 $12.99，下載 100 個 songstarter，等於你就有了 100 個 YouTube 影片配樂，還附帶永久商業授權！算起來每首配樂還不到台幣 4 塊錢，超級便宜，完全大勝其他的版權音樂庫！

總之，我就搜尋「songstarter」，按「最受歡迎」來排序，然後大量勾選下載，把最後將近 1,000 個點數全部花完了！正好我最近偶爾會玩 Renoise（一款復古風格的編曲軟體），有許多可以用來實驗的素材也不錯。

（0 credits！全部花完了！）

逃脫成功​

大功告成，以後每個月省下了 13 美金！而且硬碟裡還多了 2,500 個可能永遠用不到的聲音檔案。

不過以後有案子需要用到 Splice 的時候，我可能還是會回去訂閱一下，然後馬上取消。這種「打帶跑」戰術，可能才是使用 Splice 的最佳方法。

這是 2020 年 12 月 20 號的好和弦簽書會。

我發現這天竟然沒有留下什麼照片！檸檬卷手機這段期間的照片備份也遺失了。我只剩下這三張：

（那天簡短演講完，簽書中的全景照片）

（在我旁邊的是小尾巴）

（大合照）

還有這張照片，證明了我真的登上過誠品書店的暢銷榜：

接下來是讀者 Shaun 提供的照片：

（原來簽名要號碼牌，我都不知道！）

（我那時是用 reveal.js 做簡報，要是現在我可能會用終端機？我這一段是在說小時候看 Casio 電子琴教學錄影帶的故事，以後有機會再在 blog 上分享）

（簽名時的另一個角度）

然後，檸檬卷的頻道其實有拍 vlog，我本來也完全忘記了：

如果你剛好有來五年前的簽書會，有其他的好照片，拜託傳給我，我再把它放上來！

最近我開始玩一個叫做 Renoise 編曲軟體，並嘗試用它來幫檸檬卷的影片做一些配樂。

Renoise 就像是我以前介紹過的 MilkyTracker 的現代化版本。雖然它不是自由軟體，但程式很極簡、很有「自由軟體味」──跨平台（Linux/Mac/Windows）、安裝檔案沒有 DRM、可以完全離線運作，這樣就很讚了！

（Renoise 的介面）

工具決定風格​

但這篇的重點不是關於 Renoise 本身。而是我發現，用不同軟體來做音樂，會讓我做出完全不同的東西：

• 在一般 DAW 編曲：就是直接用鍵盤彈嘛！所以做出來的東西就會像「我會彈的東西」，和弦進行、旋律走向都會符合我在鋼琴上的習慣，也會有很多即興的成份（和錯音）。
• 用打譜軟體編曲：就會變得很斟酌和弦配置、聲部連接，每一個音符的意義都要完美、明確。
• 在 Renoise 或其他 Tracker：會變得很極簡（因為在 Tracker 裡要同時彈很多音很麻煩），而且因為 Tracker 的設計不鼓勵你用鍵盤即時演奏（雖然你可以），這強迫我改用比較「非鋼琴」的方式思考，更把重點放在對聲音片段的切割和處理上。

有趣的是，因為我對 Renoise 的介面還很不熟，這讓我做音樂做得超級慢。然後，我居然很享受這種慢！（當然，這是在沒有時間壓力的前提下；如果是要趕案子，我還是會用最熟悉的工具快速完成）

慢慢來其實很舒服耶，比起用 AI 一鍵產生音樂好玩多了！

The Medium is the Message​

Marshall McLuhan 的經典名言說「The Medium is the Message」（媒介本身就是訊息）。我覺得還可以再加上「工具會塑造訊息」──製造訊息的工具對最終結果的影響，可能比創作者本身的想法更大。

這個現象在生活中到處都是：

• 彈鋼琴：我用不同的鍵盤、不同的音源，會導致我對音樂的詮釋完全不一樣。
• 寫文章：在社群媒體和個人部落格上，我會寫出完全不同風格的文章。
• 傳訊息：用 E-mail 還是用 LINE 講同一件事，用詞可能會大大不同。

生活上還有沒有哪些事情，可以藉由調整「媒介」和「工具」來讓它變得更好呢？如果你覺得日常生活變得無聊或創意枯竭，所以可以試試看尋找你的「Renoise」──那個會讓你變慢、變笨，但重新燃起熱情的工具！