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前陣子幫一個音樂製作學生看作品，那是一個現場活動要用的伴奏帶。學生的作品其實還不錯，但他在最後的 Stereo Out 上面只掛了一個效果器，那就是 Logic Pro X 的「Mastering Assistant」（母帶後製助理）。

我自己製作音樂時也會用像是 iZotope Ozone 這樣的自動後製工具，畢竟真的很方便。Ozone 自動歸自動，至少它會詳細告訴你每個步驟做了什麼，如果不喜歡它的決定也可以手動修改。但 Logic Pro X 的 Mastering Assistant 功能幾乎就像一個黑盒子，只有少少幾個選項可以調，你完全不知道它背後的魔法是什麼。

這讓我意識到，這不就是音樂版的「Vibe Coding」嗎？

Vibe Producing​

其實在 AI 出現之前，有許多音樂人早就在「Vibe Producing」了：不學樂器、不看五線譜、不懂樂理，反正就拿現成的音樂片段拼一拼、聽起來感覺對就好啦！誰在意取樣機和合成器怎麼用？買別人做好的音色庫就好啦！

我也不是說不能這樣做音樂，創意本來就沒有對錯。但過度依賴「一鍵搞定」的工具是有危險性的：我們可能會丟失所有有用的底層技能，然後逐漸被那些生產「自動化工具」的廠商綁架。

想像一下，你請了一個廚師幫你做菜，結果他說：「欸，可是你這裡沒有那台 3,000 美元的自動 AI 料理機，然後也沒有訂閱『醬料包』和『煎蛋火候控制系統』服務，我這樣沒有辦法做菜喔！」這聽起來像是個專業的廚師嗎？

原始音樂製作挑戰​

雖然現代工具真的很方便，但還是偶爾挑戰自己，用比較原始、拮据的方式做音樂吧！不是為了復古或反科技，只是要確保自己擁有這些基本功。以下是一些有趣的挑戰：

• 🎤 「一支麥克風」挑戰：只用一支麥克風製作一整首歌。
• 🔧 自製取樣庫：使用取樣機，但不准使用任何現成的音色庫。所有取樣都要自己錄製時，會發現家裡的每個廢物都是能用的樂器。（我做過這個挑戰，不只一次）
• 🎯 把音唱準、節奏彈準：不要使用音高校正和時間拉伸，這些都是近 30 年才有的技術。以前的音樂人沒有這些工具，照樣能做出經典作品。
• 👋 不要使用 MIDI：一切東西都要即時演奏錄下來，這個挑戰可能會讓自己驚覺到應該練樂器了。（MIDI 是 1981 年才有的技術）
• 🧪 從零開始的音色：不使用任何現成的合成器音色。你知道怎麼從基本波形開始製作一個音色嗎？（這裡有教學）
• 👂 手動母帶後製：不要使用自動 Mastering 工具（如 Ozone、Logic 的 Mastering Assistant），自己用耳朵聽參考專輯、交叉比對，手動調整每一個效果器。
• 🎛️ 傳統混音法：只使用傳統的 Compressor 和 EQ 來混音，而不是現代的「智慧」版本。

底層邏輯​

就算有現代工具能用，那些能掌握底層邏輯的人，還是會有巨大優勢的。

他們知道為什麼這個效果聽起來怪怪的，知道怎麼手動修復問題，知道什麼時候該打破規則。更重要的是，當工具失靈、訂閱服務掛掉、網路斷線時，他們依然能完成工作。

每次在按下那個閃閃發光的「一鍵搞定」按鈕前，先問問自己：我真的知道這個按鈕在背後做了什麼嗎？如果以後沒有這個按鈕了，我還能手動做出同樣的效果嗎？否則，下一個被「一鍵搞定」按鈕取代的，可能就是我們自己了！

最近我開始玩一個叫做 Renoise 編曲軟體，並嘗試用它來幫檸檬卷的影片做一些配樂。

Renoise 就像是我以前介紹過的 MilkyTracker 的現代化版本。雖然它不是自由軟體，但程式很極簡、很有「自由軟體味」──跨平台（Linux/Mac/Windows）、安裝檔案沒有 DRM、可以完全離線運作，這樣就很讚了！

（Renoise 的介面）

工具決定風格​

但這篇的重點不是關於 Renoise 本身。而是我發現，用不同軟體來做音樂，會讓我做出完全不同的東西：

• 在一般 DAW 編曲：就是直接用鍵盤彈嘛！所以做出來的東西就會像「我會彈的東西」，和弦進行、旋律走向都會符合我在鋼琴上的習慣，也會有很多即興的成份（和錯音）。
• 用打譜軟體編曲：就會變得很斟酌和弦配置、聲部連接，每一個音符的意義都要完美、明確。
• 在 Renoise 或其他 Tracker：會變得很極簡（因為在 Tracker 裡要同時彈很多音很麻煩），而且因為 Tracker 的設計不鼓勵你用鍵盤即時演奏（雖然你可以），這強迫我改用比較「非鋼琴」的方式思考，更把重點放在對聲音片段的切割和處理上。

有趣的是，因為我對 Renoise 的介面還很不熟，這讓我做音樂做得超級慢。然後，我居然很享受這種慢！（當然，這是在沒有時間壓力的前提下；如果是要趕案子，我還是會用最熟悉的工具快速完成）

慢慢來其實很舒服耶，比起用 AI 一鍵產生音樂好玩多了！

The Medium is the Message​

Marshall McLuhan 的經典名言說「The Medium is the Message」（媒介本身就是訊息）。我覺得還可以再加上「工具會塑造訊息」──製造訊息的工具對最終結果的影響，可能比創作者本身的想法更大。

這個現象在生活中到處都是：

• 彈鋼琴：我用不同的鍵盤、不同的音源，會導致我對音樂的詮釋完全不一樣。
• 寫文章：在社群媒體和個人部落格上，我會寫出完全不同風格的文章。
• 傳訊息：用 E-mail 還是用 LINE 講同一件事，用詞可能會大大不同。

生活上還有沒有哪些事情，可以藉由調整「媒介」和「工具」來讓它變得更好呢？如果你覺得日常生活變得無聊或創意枯竭，所以可以試試看尋找你的「Renoise」──那個會讓你變慢、變笨，但重新燃起熱情的工具！

想要讓作品變得更好、更有特色嗎？一個小小的建議：停止關注附近同業的動態。

想像你是一個蛋餅店老闆，每天早上你都會進行例行的「敵情偵察」：A 蛋餅店今天有開門嗎？B 蛋餅店為什麼今天人特別多？C 蛋餅店推出了珍珠奶茶口味？

這種關注「本地競爭對手」的行為看起來很合理，但壞處遠遠大過於好處：

• ⚓ 標準錨定：每天把附近的蛋餅店當作比較對象，大腦會不自覺地把他們視為成功標竿。問題是，如果這些「標竿」其實也只是普通的蛋餅店呢？恭喜，你剛剛把自己的成長上限設定成了「比普通好一點點」。
• 😵‍💫 比較焦慮：看到同業推出新口味，得到了不錯的生意，你的第一反應不是學習，而是恐慌：「我是不是輸了？」、「要不要也跟著做？」、「客人會不會都跑去那邊？」這種焦慮會讓你做出一堆愚蠢的跟風決定。
• 👥 品味同化：長期觀察附近的蛋餅店，你的品味會不知不覺被同化。大家都做九層塔蛋餅，你也開始做九層塔蛋餅；大家都用 QR Code 菜單，你也學著用。最後把自己變成了「又一家普通的蛋餅店」。

那些世界頂尖名店、紐約的早餐名廚、巴黎的烘焙大師，你覺得他們會花時間研究「台灣巷口蛋餅店都在幹嘛」嗎？當然不會！但他們還是打造出了世界級的美味。這證明了關注「附近同業在做什麼」顯然不是成功的必要條件，甚至可能是成功的阻礙。

如果只是想提升技巧，獲得靈感，為什麼不直接向最頂尖的來源學習？為什麼要把沒用的資訊放進自己大腦中，只因為它們剛好在你家附近？

想做出獨特的蛋餅，第一步就是停止研究那些普通的蛋餅。

（本文當然不是真的在討論蛋餅。把「蛋餅店老闆」換成「健身教練」、「鋼琴老師」或「音樂 YouTuber」道理都一樣。只是蛋餅比較香而已。）

（但隔壁的蛋餅店有時候就是很煩，讓人很難忽視，請見昨天的貼文。）

你是一個厲害的蛋餅店老闆，你的生意還滿好的，也有固定的客人和不錯的口碑，生活無虞。

有一天，對街新開了一家蛋餅店。

你偷偷去吃了一次，發現對方實力普普而已，沒自己做得好吃：麵皮太厚、蛋也煎得不夠嫩，而且哇靠油也放太多了吧。要給分數的話，可能勉強及格 65 分吧，至少是熟的啦。

但是，對街的蛋餅店開始請辣妹來門口跳舞，穿著清涼制服，手上還拿著蛋餅當道具。記者來了，YouTuber 來了，連電視台都來了。老闆瘋狂出席各種活動，把自己形象塑造成「蛋餅神」，講得好像蛋餅就是他發明的一樣。

更誇張的是：大眾竟然買單了！

他的店門口開始出現排隊人潮，大家拿著那「皮厚、蛋老、油膩膩」的蛋餅拍照，在 Instagram 上 Po 文打卡：「終於吃到傳說中『蛋餅神』的蛋餅了！」。你滑著這些貼文，旁邊跳出了「蛋餅神親授秘技！線上課程只要 2999！」的廣告。

這時候，身為「真的會做蛋餅」的人，你應該：

• ⚔️ A. 跟他拼了：請更辣的妹來店門口跳舞、買更多媒體版面、請 YouTuber 業配、瘋狂出席各種活動，證明自己才是真正的「蛋餅神」！怎麼能眼睜睜看著他爽賺？
• 🧘‍♂️ B. 當作沒看到：反正自己的生意也還不錯，賺的錢還行，生活舒服，他要怎樣隨他去。

以我的個性來說，我絕對是選擇 B 的。何必為了證明什麼而把自己搞得那麼累呢？

但是，看到大眾吃著不健康的爛蛋餅，還一臉滿足地說「好吃」，心裡還是覺得怪怪的呀！

因為長期做網路內容的關係，我偶爾會遇到有人問我這樣的問題：

「我們下週要辦活動╱推出新產品，要怎麼把消息傳出去？」

這就好像你問：

• 「我明天要參加馬拉松，要怎麼樣可以跑完？」
• 「我明天要拍形象照，要怎麼樣可以變瘦？」
• 「我明天要考試，要怎麼樣可以滿分？」

建立觀眾關係最好的時機是十年前，第二好的時機是現在。但絕對不是你突然需要「把消息傳出去」的時候。

你當然可以砸錢請「網紅」幫你業配，但這方法的效果正在以光速衰退。詳細請看這篇貼文。

誰會有那麼多時間去建立觀眾的信任呢？你需要長期產出有用的文章、影片、Podcast，持續提供價值給你的觀眾。這過程一點都不刺激，也看不到立即的回報，無聊得要死。

但這就是現實：真的有用的事情通常都無聊得要死。就像刷牙、運動、買大盤 ETF 一樣。

諷刺的是，當你終於花了十年建立起觀眾關係後，大概也不會再問「怎麼把消息傳出去」這種問題了。因為到那時候，你會開始收到別人問你同樣的問題，然後驚覺自己也變成了那個總是碎唸「建立觀眾需要時間」的討厭鬼。

最近看到幾篇關於「廢文」的文章：

• tux24 在他的 blog 寫到，當他瀏覽其他人的網站時，因為時間有限所以只能隨機點閱。這讓他意識到，如果別人也是這樣瀏覽他的網站，可能會因為點到「廢文」而留下不好的第一印象。
• JN 則是分享了自己從追求「高大上」內容回歸到生活記錄的轉變。前者因為門檻太高，讓他兩年半只發了不到 10 篇；而後者讓他一個月就寫了超過 10 篇。

甚至連我自己，都說之前都從社群媒體搬過來的文，幾乎都是「廢文」。

個人部落格的魅力​

我倒是覺得，寫個人部落格時，其實不太需要擔心「廢文」的問題耶！個人部落格的魅力，就是在於它很「個人」；而真實的個人，本來就包含了許多看似「廢」的內容。

一個人是有很多面向、很多興趣的。以我自己為例，我的職業是音樂，但我還有許多其他感興趣的主題：Linux、自由軟體、復古電腦、遊戲、跑步、寫作、設計、自我成長、哲學邏輯⋯⋯如果我只能寫音樂相關的、「專業」、「不廢」的內容，這樣我會覺得自己變成了一個單調的工作機器。

而且，每天生活中的瑣碎經驗，如果好好寫下來，也許也會對別人有用的。就算對別人沒有用，以後的自己回來看到這些貼文，也一定會覺得「還好有寫下來」。（像我就超級慶幸在 2008-2009 年有留下那三、四十篇貼文，可以回味當時在想什麼）

這就是為什麼我除了寫專業領域的《好和弦 NiceChord.com》之外，還要再額外做《好檸檬 Podcast》以及現在這個 Wiwi.Blog──我需要「廢文」的出口啊！

自私內容​

不需要有「我又不是什麼名人，誰會對我的生活有興趣？」的想法，這其實是我們受主流新聞和社群媒體影響太深的結果。社群媒體讓我們以為只有「精彩、完美、值得炫耀」的生活才值得分享，但事實是，這樣的內容對讀者來說反而是最沒價值的。

我常把社群媒體上常見的文體，稱為「自私內容」。所謂的「自私內容」就是，作者寫它的主要目的是為了博取眼球、刷存在感、炫耀、討拍、建立地位、讓別人覺得自己好棒棒。

這不是作者的錯（好吧，至少不完全是），而是平台本身就鼓勵這樣的自私內容。演算法最愛的就是能快速挑起情緒的東西，要在社群媒體上生存，你就得適應他們的「文體」。

社群 vs. 部落格文體​

舉個例子。你去喝了一杯咖啡，在社群媒體上可能會這樣寫：

「
今天又來到我的秘密基地☕
生活就是要對自己好一點～
#咖啡控 #質感生活 #被寵愛的感覺
」

（下面配上精心調色的咖啡拉花特寫照片，背景模糊，光線必須是那種「不小心」灑進來的金黃斜射光。）

但在個人部落格上，就沒人會這樣寫呀！離開了社群媒體，你天然就會寫成比較類似以下這樣子：

「巷口開了一間新咖啡店，一杯美式 150 塊，老實說第一印象覺得這是在貴什麼，但坐下來之後覺得還算值得。比起 Starbucks 的簡潔現代，這邊比較像是到朋友家喝咖啡的感覺。

老闆是個話很多的大叔，會一直跟你分享他最近迷上的 Switch 遊戲；店貓很親人但是會踩鍵盤，想專心打字的人建議避開。最重要的是，這裡的冷氣超涼，夏天來工作很爽！

說到在咖啡店裡工作，我⋯⋯（以下展開，分享其他生活心得）」

看到差別了嗎？前者的重點是「我好棒棒、好悠閒、我的生活比你的有質感」，後者則是「欸，我發現了一些可能對你來說有趣或有用的事」。

當然，如果你已經是知名藝人、運動員，發個「剛起床，頭髮亂亂的」可能都會被當作「勵志正能量」。但對於其他 99.9% 的人類來說，如果只會一直寫社群文體的「自私內容」就要自封為「KOL」，那就真的很讓人 LOL 了¹。

The Medium is the Message​

加拿大哲學家 Marshall McLuhan 有個名言：

The Medium is the Message.

（媒體本身就是訊息）

光是選擇使用「個人部落格」這個媒體，這個決定本身就已經讓你的內容「不廢」了。

因為部落格這個媒體的特性（沒有演算法干擾、沒有即時的按讚和留言、沒有字數限制、鼓勵你在電腦上慢慢寫等等），天然就會引導你寫出更真誠、更有深度的內容。

即使是再平凡的生活小事（例如你去吃了什麼、最近穿什麼球鞋、或只是單純分享個連結⋯⋯），只要不寫成「自私內容」，而是真心地為讀者著想、為讀者提供價值，它就會很好看，就不能算是「廢文」。

所以不需要把部落格的標準設得太高。只要把你有興趣的事，以「部落格形式」的文體不自私地寫出來，就已經勝過大部分人每天刷的短片和貼文 100 倍了！

別擔心這是不是「廢文」，放心寫吧！

（希望你看完這篇，沒有覺得這篇是廢文。）

Footnotes​

1. KOL = Key Opinion Leader, LOL = laughing out loud ↩

在音樂製作的世界裡，有個術語叫「盒子內」（In The Box, ITB），意思是完全在電腦編曲軟體裡工作，不論是各種樂器的音色、效果器、混音，都全靠軟體搞定。

相對地，「盒子外」（Outside The Box, OTB）的工作流程就是指使用硬體音源、效果器、混音器等實體設備。

一個有趣的現象：新世代的音樂人已經習慣把自己關在盒子裡了，而且還覺得很舒服，對於「為什麼要走出門」這件事感到不解。

被軟體綁架的世代​

我現在教編曲學生時，總是鼓勵他們盡量多在「盒子外」工作──用外部音源、效果器、麥克風、真實樂器，來減少對專有軟體的依賴，讓創作更自由。

「盒子外」的工作流程在 2000 年代中期以前，其實是音樂製作的常態。只是隨著軟體音源和效果器的進步，新一代的音樂人（尤其是初學者），幾乎都只接觸過「盒子內」的作業流程了。

他們從接觸音樂製作的第一天起，就被綁在特定專有軟體的生態系裡，就像一出生就住在監獄裡的人一樣，從來不感覺自己正在被囚禁。

方便的代價​

全部在「盒子內」用軟體解決是很方便沒錯，但這也讓你失去了很多自由：

• 💻 技術綁架：你必須要用特定的專有軟體、特定的作業系統、甚至是特定的電腦或音效介面才能工作。
• 🔒 創作綁架：當某個專有音色庫或效果器成為你音樂風格的核心時，你就再也離不開它了。你以為自己有了「自己的聲音」，實質上你的聲音在被創作工具定義。
• 💳 強制消費：如果要跟別人交換編曲專案檔，你也必須升級到跟對方一樣的版本，等於被強迫消費。（例如，Reason 12 無法打開用 Reason 13 編輯過的檔案；舊版 Logic Pro 也無法完全正常打開新版 Logic Pro 的存檔¹）
• 😱 更新惡夢：當作業系統更新時，你的音樂世界可能瞬間崩塌。一大堆外掛程式出問題，舊版本不再支援，只能乖乖掏錢買新版，不然就打不開自己的作品。

另外，完全「盒子內」的工作流程也容易讓人過度沈迷 MIDI 編輯，把音樂製作搞得像在用 Excel 做報表一樣。許多時間都花費在用滑鼠慢慢調整音符力度、時間點等等工作，失去了「即時演奏樂器」的樂趣，忘記了音樂製作其實也是一種表演。

經得起考驗的老派流程​

就算是在軟體超級進步的 2025 年，我覺得最理想的音樂製作流程還是比較「老派」的：

• 🎹 硬體優先：準備一兩台品質好、功能完整的獨立電子鍵盤樂器或音源機（Yamaha 的 MODX+ 系列、Roland 的 Fantom-0 系列都不錯），它們就能涵蓋 70% 專案會用到的音色和效果。這些設備不需要連上網路，也不會突然要求你更新作業系統。
• 🌍 開放格式：接著用 WAV 格式的音色庫檔案補足 20% 的聲音需求；使用線上服務如 Splice 也無妨，只要它能讓你下載自由的 WAV 檔案。
• 💾 軟體補強：剩下真的找不到替代方案的 10%，才使用專有軟體外掛程式。

當然也不要忘了「麥克風」這個好東西。在古早古早、沒有電子樂器的年代，大家都是只靠麥克風在錄專輯的！現在你還是可以這樣做，而且你的音樂聽起來會比只用軟體的人更有「人味」！

做音樂不需要「新技術」​

如果你的音樂製作流程建立在獨立硬體設備、開放格式聲音檔案和即時樂器演奏上，你就有了「反脆弱」的能力。不管換到什麼編曲軟體、什麼作業系統，你都能無縫接軌，持續做出相同品質的音樂。你的創作也不會因為某家公司倒閉或改變商業策略就消失。

當別人還在花三個小時重灌系統、寫信給客服要授權碼、下載 500 GB 的肥大音色庫、上論壇搜尋「為什麼系統更新後我的 VST 讀不到」的時候，你早就完成好幾首新曲子了！

這樣的想法在現在太少被提及，畢竟還是追逐最新的產品和技術比較刺激嘛！但音樂其實不是很需要一直追求新技術的領域，能夠發出各種聲音的技術都已經早就存在了。

軟體廠商不會告訴你這個祕密：想要在音樂上創新，只要升級自己的大腦就夠囉！

Footnotes​

1. 而新版 Logic Pro 會有 macOS 作業系統版本的需求，macOS 又會有特定硬體的需求⋯⋯結果就是你需要買一台新電腦了！ ↩

今天收到來自 YouTube 的一封有趣的信，說要幫我「創造更多賺錢機會」。信中開頭就興奮地寫：

"The creator economy is growing and more advertisers and brands are eager to partner with YouTube Creators."

（創作者經濟正在成長，更多廣告商和品牌都渴望與 YouTube 創作者合作。）

嗯，聽起來好像不錯？！所以 YouTube 到底是想幹嘛？

原來是 YouTube 推出了一個新功能，讓我可以「主動」分享頻道和觀眾數據（包含訂閱數、觀看數、按讚數、留言，以及觀眾的性別、地理位置、年齡範圍及更多資訊），讓 YouTube 賣給廣告商。

這就像是讓羊可以自己把毛脫下來給剪毛工人一樣，多麼貼心的功能啊！

創作者只是一個商品編號​

等等，這不就是想把我變成家教網貨架上的老師嗎？

過去如果廣告主想跟我合作，必須直接寫信跟我談，或至少要在 YouTube 廣告後台裡指名我的頻道下廣告。而現在 YouTube 想要把創作者們變成一個「數據清單」，讓廣告主像在人力銀行上選履歷一樣：

「我要篩選：

• 訂閱數 10-20 萬
• 觀眾年齡 20-30
• 女性佔比超過 50%
• 曾經有觀眾留言過『想買！』、『take my money』或『影片還沒看完，已下單！』
• 平均觀看數在 50,000 以上
• 按讚數達觀看數 5% 以上
• 最好是那種沒什麼個性和立場的音樂頻道

⋯⋯按價格排序。選取最便宜的 10 個。下單！」

我們從有血有肉的創作者，變成了可排序、可篩選、可大量採購的商品編號。

誠實的設計​

更妙的是，信中說這個功能「is off by default」（預設是關閉的），但我剛才登入 YouTube Studio 時，這個選項就已經是勾著的了啊！這是有什麼誤會嗎？

另外，這封信的委婉用詞藝術也很有趣。他們不說「我們想要賣你的數據賺錢」，而是說要為你提供「earning opportunities」（賺錢機會）。這就像 MuseScore.com 硬把「訂閱季繳方案」說成是「Get 38% discount」一樣誠實呀。

當然，我是不會參加這個計畫的。YouTube 謝謝囉！

（好和弦頻道從創立以來就沒有開啟 YouTube 廣告，而且現在也不接業配了。想支持好和弦的話，請多到 NiceChord.com 逛逛，考慮加入會員或抖內，或是購買真的很有料的《鋼琴技巧急診室》和《即興幼幼班》課程喔！）

每次有方便的新科技出現後，人類同時也會喪失一些能力：

• 🧮 有了計算機後：人類變得不會算術，甚至忘記了大腦可以算術，連 10+2 都要打開計算機「確定一下比較保險」
• 📞 有了手機通訊錄後：記不住任何人的電話號碼，連自己家的市話都要翻手機確認
• 🗺️ 有了地圖 App 之後：空間感和方向感大幅退化，連去巷口的 7-11 都要開導航

現在我們面臨的最新問題是：有了大型語言模型（Large Language Model，簡稱「LLM」，俗稱「AI 聊天機器人」）幫忙寫作之後，我們會不會從此喪失寫作能力呢？

我對 AI 寫作的看法​

關於 AI 寫作，網路上常見的態度大概分成兩派：

• 一邊是持極度反對意見的「純手工派」：他們會在網站上掛上大大的「本站 100% 由人類寫作」標章，就像獲得了米其林三星認證一樣自豪。
• 另一邊是極度推崇的「AI 萬能派」：他們連寫一篇「今天我吃了蛋餅」的社群媒體貼文，都要問 ChatGPT 怎麼樣可以更文青。

我自己的立場是落在兩者的中間。

對我來說，部落格文章的核心價值是「文以載道」。換句話說，文章的功能是用來傳達想法的；重點是想法，而不是文章本身。

只要文章能表現我的想法，有我喜歡的語氣、風格、味道，那麼實際上去「把每一個字拼湊出來」的工作，並不需要 100% 由我手工完成。畢竟，連大作家如海明威都有編輯幫忙審稿了，我有什麼理由不使用 AI 工具呢？

這個 blog 的寫作流程​

我在之前的文章已經分享過這個 blog 目前的寫作流程：

1. 💡 腦力激盪：先亂寫，不編輯。快速把頭腦中的想法倒出來，只著重在核心內容和觀點，不計較用詞、敘事細節、段落順序等技術問題。
2. ✨ AI 整理：把第一階段產生的原始素材交給大型語言模型，讓它重整結構、潤飾文字。我通常會同時丟很多個：線上的 Claude，離線的 Gemma3、Qwen2.5、Aya 等等，就像是請了一群不同風格的編輯來幫忙。
3. 📝 重新編輯：參考 AI 生成的結果（主要是幫我找字，有時候想說一句話，但找不到好的敘述方式或譬喻），然後用自己的風格重新寫一次。

通常，最終的文章會有 80% 左右的文字是來自第一階段的素材，剩下的 20% 是 AI 幫我找到的創意點子。

以上流程有一個關鍵：我幾乎從來不直接複製貼上 AI 生成的文字，而是參考它寫的版本之後，自己重新打一遍。你在 wiwi.blog 網站上看到的所有文章，都是我在鍵盤上一個一個字敲出來的。

我發現這樣子使用 AI，不但不會讓寫作能力退步，反而還能從 AI 那裡學到很多東西。

跟 AI 上寫作課​

Claude 真的是一個很好的作家，我從它那邊學到很多。Claude 總是能找到我想不到的例子、敘述順序，還有那些讓人會心一笑的比喻。

大型語言模型的強項就是了解文字之間的關係，當你找不到要用什麼字的時候，它可以精準地幫你找到合適的詞彙！

例如，當你想表達「朋友在群組裡分享了你覺得超無聊的短片，但其他人都在狂讚，你不知道該假裝覺得好笑回個哈哈，還是保持沉默但可能顯得掃興」的複雜心情時，只要問大型語言模型，它就可以幫你找到例如「要裝熟還是裝死」、「集體幽默感的從眾壓力」、「當好人還是當真人的日常難題」等等的創意用詞。

而且，不知不覺地，我也被 AI 修正了許多不好的用詞習慣，讓我的文章更好閱讀。例如，以前的我寫文章會有一堆贅字：

「在剛開始寫一首新的曲子的時候，我通常都會先打草稿，我打草稿的方式很簡單，就是先在編曲軟體裡面載入一個很普通的鋼琴音色，然後就把想到的東西彈進去錄下來。在這個階段我不會很在意我有沒有彈錯音，或者是拍子有沒有對準，最重要的只是把想到的東西記錄下來，所以不會忘記這樣子而已。」

（這是古老好和弦影片的逐字稿草稿）

而現在的我可能會寫：

「開始寫新曲子時，我通常會先打草稿。做法很簡單：在編曲軟體裡載入基本的鋼琴音色，然後直接把腦中的想法倒出來。在這個階段彈錯音、拍子不準都沒有關係，重點只是把靈感捕捉下來，免得待會就忘了。」

但如果只是將 AI 生成的結果複製貼上，你就不會學到以上這些事情（你也許會「誤以為」自己學到了，但其實沒有），然後漸漸變得越來越不會寫文章。

寫文章也是一種身體運動​

寫文章雖然不被認為是一個「身體運動」，但我覺得其實還是的。

就像我們沒辦法光靠看 YouTube 教學影片就學會彈鋼琴一樣，用手敲鍵盤的物理動作，大腦和肌肉記憶的配合，也都是寫作過程中不可或缺的部份。

所以，如果還想保持思考、寫作的能力，就別停止打字吧！

等等，我覺得文章這樣結尾好像不太好，有點太正經了？讓我處理一下⋯⋯

「Claude！再幫我生成五個不同版本的結尾！」

Suno AI（音樂生成服務）的 CEO Mikey Shulman，在接受 Podcast 訪問的時候丟出了驚人言論：他認為大部分人並不享受做音樂的過程。

（YouTube 連結，以下引言在影片 23:17 處）

"And so that is first and foremost giving everybody the joys of creating music... It's not really enjoyable to make music now. It takes a lot of time, it takes a lot of practice, you need to get really good at an instrument or really good at a piece of production software. I think the majority of people don't enjoy the majority of the time they spend making music."

（所以首要任務是讓每個人都享受創作音樂的樂趣⋯⋯現在做音樂真的不好玩。你需要花很多時間，需要很多練習，需要學習演奏樂器和操作編曲軟體。我想大部分人不享受他們花在做音樂上的大部分時間。）

──Mikey Shulman 在 20VC Podcast

我的天，你在說什麼啊？

這太麻煩了，不好玩​

想像一下，如果我把他的邏輯套用到其他事情上會發生什麼。

• 🕹️ 打電動：現在打電動真的不好玩！你需要看著螢幕、閃躲敵人、收集道具，還要拿著搖桿緊張地按來按去⋯⋯太麻煩了！大部分人其實不享受玩遊戲的過程，我們應該讓 AI 直接幫你破關，這樣每個人都能體驗「遊戲的快感」。
• 🍿 看動畫：現在看動畫真的不好玩！你需要一集一集追、要等更新、情緒要隨著劇情波動，還要準備零食和飲料來配⋯⋯太麻煩了！大部分人其實不享受看動畫的過程，我們應該讓 AI 直接告訴你結局，這樣每個人都能體驗「追劇的樂趣」。
• 💕 談戀愛：現在談戀愛真的不好玩！你需要曖昧、要找話題聊天、要花錢約會，晚上還要一起進行床上運動⋯⋯麻煩死了！大部分人其實不享受戀愛的過程，我們應該讓 AI 直接安排你們結婚生子，這樣每個人都能體驗「愛情的美好」。

這就是我們的 Suno AI CEO，Mikey Shulman 對音樂創作的想法，他覺得全世界花時間練琴、寫歌、做音樂的人都是受虐狂。

魔術方塊與籃球的哲學​

在前陣子整理 blog 舊文的時候，發現我曾經學會解過魔術方塊（可惜現在早就忘了）。那時候我看著 YouTube 教學影片，學習了幾種公式轉法，第一次把六面解出來真的覺得超有成就感（於是寫了這篇 blog）。

如果當時 Mikey Shulman 突然出現，直接塞給我一個已經完成的魔術方塊，我大概會滿頭問號地說：「然後呢？」

打籃球也是一樣的道理呀！就算現在有一個投籃命中率是 100% 的機器人，我也不會想要買它來代替我去公園投籃。即使我的三分球命中率慘不忍睹（還是無人防守的情況下），我還是想要親自體驗球從手中投出去的感覺（當然，出手的瞬間還要喊一聲「Curry！」才算是完整的體驗）。

完成品？早就滿街都是了​

做音樂就像解魔術方塊和打籃球。不論是在鋼琴前練習蕭邦的作品，還是在編曲軟體裡對聲音做各種奇怪的處理，我們要的從來就不是一首「完成品」。世界上早就已經有無數超便宜的「完成品」了，我們真正想要的是「玩」跟「做」的過程本身。

其實我很早就感受到「音樂成品不值錢」的現實了。從串流平台的微薄分潤，到商用素材庫裡堆積如山、供過於求的罐頭音樂，現在又加上了 AI 音樂生成器，音樂成品的價值已經被稀釋到趨近於零。

世界上不缺音樂，缺的是「玩音樂的樂趣」。這就是為什麼我從來沒把重心放在製作「完成品」上，而是專注在音樂教學。我相信「引導別人了解音樂、體會音樂樂趣」的能力，才是將來的音樂人們最重要、也最有市場價值的技能。

（說到「享受音樂的樂趣」，我的兩個課程《鋼琴技巧急診室》和《即興幼幼班》絕對比 Suno AI 更能讓你享受音樂的樂趣。畢竟，用自己的雙手流暢地在鋼琴上彈出有靈魂的音樂，比當個 AI 垃圾消費者好玩太多了！）